作品參考連結（Product references link）： https://islander.waca.ec/product/detail/1838161   銅上的琺瑯在燈光下泛著光澤，兩種素材的結合，創作出一種水墨的效果，那是自然禮讚品牌藝術家陳彤在島人藝術空間的展品們。 從上海來到花蓮，在這樣兩種截然不同的環境，陳彤坦言自己花了很多的心力和時間，才在花蓮這片土地上有了歸屬感。 「需要對這個地方有了認同感，跟自然和人文有所共鳴，才能感到一種歸屬感。」藝術家的特質就是敏感，陳彤在談話間也直率地表示其實自己知道要被完全的了解是不可能的，藝術家本來就是孤獨的，孤獨只是一種人生的常態。但就是這樣直接的袒露，也讓陳彤的作品，有使人深刻感受到其中心意的力量。 初來花蓮的三年，陳彤感覺自己與花蓮始終是格格不入的，不被接納、也不被理解，甚至曾回頭懷疑過自己的價值觀，像是一株種進不同土地的植物，因為水土不服的關係，始終無法落地生根。 「後來我才明白，你要上另一座山，首先你要先從這一座下來。」陳彤靜靜地描述著，在家鄉的學藝之路一直到求職出社會，對她來說都是順遂無礙的，但在來到了一個完全不同節奏、氣味、樣貌的地方，才讓她知道，她必須要先從之前她一直待著的高處，慢慢地走下來，接近土地、感受自然和這裡的人有了連結，她才有站上另一座山的可能。「這是我的真實經歷，如果不是這樣，我說不出這樣的話。」她斬釘截鐵地表示。 在迷惘的時候，陳彤因緣際會遇到了伯樂，那是一位在舊鐵道販售咖啡的牧師，閒聊當中，也談及對藝術的理解，和牧師的眼神相互凝視的時候，一直漂泊的陳彤彷彿終於有了定錨的重心，緩緩地停了下來。 「那是深淵跟深淵的相吸，只要看一眼就知道了。」陳彤笑說，在牧師的鼓勵下，她也開始在鐵道擺攤，販售起飾品，克服面對人群的恐懼，練習在眾人面前侃侃而談。 陳彤說，她的創作分成兩個部分，一個是品牌，一個是作品。自然禮讚就是她的品牌，是她從在花蓮感受到的自然中獲得靈感，在經由自身的消化將它反芻出來，變成一個像詩一樣美麗的成品，對她來說，那就是一首無言的詩。 「我的品牌飾品都是螺旋式上升的。」因著季節流轉，自然禮讚的飾品從花、海洋、落葉等素材輪替出現，但未曾重複，雖是不停輪轉，卻都呈現出新的相貌，這些飾品跟著陳彤每一年逐漸成長，也像是她年復一年，能更深刻的去體驗自然、了解自然，從而將這樣的情感投入到品牌飾品之中。 陳彤提及了她去到海上的經驗，那一天的她搭著賞鯨船出海，遇到了大浪，整艘船在海浪搖擺之間顯得脆弱，「那個海就像是怪獸一樣，覺得它深不可測，然後就突然覺得，所謂的煩惱，其實就那麼小而已。」在廣袤的海面前感受到的渺小，使她有關海洋的飾品越加深邃，一顆顆的海藍寶石，蘊藏著水的能量。 而作品，則是更直觀的面向她自己的，她說，在島人藝術空間展示的〈處處蓮花開香插〉就是一個很能呈現出她自己狀態的作品。 在上海時期的陳彤是知名飾品品牌的管理階層，年紀輕輕就站上了高位，她 深刻知曉站在高處的感受，也曾待過低谷，對未來充滿迷茫。「不論環境是否能夠帶來希望，不管你是否艱辛、不管周圍是否嘈雜，只要你的心是平靜的、安穩的，那麼不論在哪裡你都可以成為一朵盛開的蓮花。」陳彤的語速在此刻慢下來，像是在輕輕撥弄著池塘澄淨的水面。 「藝術家是很矛盾的，儘管自己就是跟別人不一樣，但還是非常期待能獲得共鳴。」她好笑地說。陳彤的創作是她與這個世界交流和對話的方式，希望自己的品牌飾品成為路過花蓮的人可以隨身帶走的一首自然詩句。雖等待自己的作品被駐足觀看的人理解讀懂，但她抱持著開放的態度，去接納每個人對作品不同的解讀。 陳彤對未來發展的期許，是可以做一個跟自己過去原鄉的文化底蘊，和現居地花蓮連結的展覽，在不斷了尋找與嘗試之後，她的精神與肉體，也終於在花蓮腳踏實地。 - - Enamel on copper gleams under the light, blending two materials to create an ink-wash effect—these are the artworks of natural tribute brand artist Chen Tong exhibited at Island Art Space.   From Shanghai to Hualien, in these two vastly different environments, Chen Tong admits it took much effort and time to feel a sense of belonging in Hualien's soil.   "I needed to identify with this place, resonate with its nature and culture, to feel a sense of belonging." Artists are

作品參考連結（Product references link）： https://islander.waca.ec/product/detail/1838509   兒路創作藝術工寮位於花蓮縣秀林鄉銅門部落，2015年由東冬．侯溫創立。太魯閣語中有「Elug」一詞，意旨「路」，發音接近中文「兒路」，寓意「希望像兒童一樣，以很無畏、乾淨的心靈，去走祖先的道路」。 在兒路創作藝術工寮中，集結了來自不同部落、跨族群的青年，他們共同懷揣對原民文化的熱忱，始終關注著部落文化在當代的處境。有感於當代原住民對於部落遷徙的歷史、傳統儀式的內涵已逐漸模糊，兒路以東冬．侯溫為首，通過田調、劇場表演、映像製做、文化體驗活動辦理等方式，從傳承樂舞開始，到儀式精神的實踐，一步一步將原民文化凝聚回來。同時，兒路也注重銅門部落的文化與產業永續，積極推動部落體驗遊程，希望帶大眾走進部落，感受原民的步調與歷史。 - - Elug.Art.Corner, located in Tongmen Village, Xiulin Township, Hualien County, was founded in 2015 by Dungdung Houwun. In the Truku language, there is a word "Elug," which means "road." Its pronunciation is similar to the Chinese "兒路" (Érlù), symbolizing the hope to walk the path of ancestors with a fearless and pure heart like a child. At Elug  Art Corner, youth from different tribes and backgrounds come together, united by their passion for indigenous culture and their concern for the

作品參考連結（Product references link）： https://islander.waca.ec/product/detail/1857085   你曾想像一張樹皮經過千捶，將它的纖維舒展，粗硬的樹皮也可以變得柔軟嗎？一片樹皮變成一張布，那是屬於南島語族的傳統工藝，樹皮布。 《獨樹依織》是林戎依的樹皮布工藝創作品牌。有別於以往大家對於編織的概念，樹皮布的製作，不是經由將數個不同材料交織在一起，而是將一片樹皮的纖維經由反覆的搥打，將之鬆解、延展，最終變成一張具有韌性的布。 在阿美族的傳統文化中，穿著樹皮衣是一種地位的象徵，有紀錄是在祈雨、或是部落的重要集會時會出現，更甚有文獻指出，穿著樹皮衣打獵，可以在自然環境中掩蓋自己的氣味。林戎依第一次見到樹皮織品，是在巧合下看到部落的頭目帶著樹皮布做成的帽子，那是她在以往從未了解過的工藝，也是在那一次她才發現了原來阿美族部落竟有這樣特別的製作織品技巧。 然而樹皮布的工藝曾經過超過半世紀的斷裂，是由阿美族的幾位耆老重拾捶棍，才將之保留了下來。林戎依在大學期間，便投身製作樹皮布的學習，這一腳踏進去，轉眼就是十二年。 「因為其實樹皮布的製作是很繁複的，它需要很多次的反覆操作。」在捶打、洗滌、延展的過程中，這樣長時間的重複中，林戎依有時也會覺得漫長。 「敲打的過程有時候也會覺得很痛苦，但是看到它曬乾展開的美好樣子，心裡還是覺得非常滿足。」她笑說。經由細密的敲打，把樹皮的纖維慢慢分開，從原本深色、粗糙的樣子，逐漸明亮、柔軟，也像是在和自己的內心對話，將鬱結在心中的情緒，慢慢放下，緊繃的神經展開後，也能透進光線。 「我非常感謝都蘭部落的沈太木頭目，他一直有耐心的教導後輩，本來我以為要跟著耆老學習會是一件極度嚴肅的事情，但他很親切的對待每一個學生。」提及自己的老師，林戎依的聲音驀地低了下來，似在壓抑著內心洶湧的感激之情，有著這樣認真、無私付出的前輩引導，林戎依更將推廣樹皮衣視為己任。 對於林戎依來說，樹皮衣的創作不僅是為了傳承文化，更是自己與族群的連結。「我感覺如果我放棄了這個東西，我會不知道我是誰。」因為熱愛自己的族群文化，林戎依在創作之餘也投注心力在教學上。她會免費到部落的國小中教導阿美族小朋友製作樹皮布，看著孩子們從吵吵鬧鬧到靜下來敲打一片樹皮，她為了想將工藝下去推展出去而始終懸著的心，才在一聲聲結實的撞擊聲中，緩緩落地。 「我很喜歡我的一件大型創作，它叫做〈大地的日記〉。」所謂日記，便是由三百六十五張樹皮布所拼起來的大型作品，每一張不同樣態、顏色的樹皮布，也夾帶了林戎依當日的心情，快樂的、沉重的，都透過樹皮布的纖維，一絲一縷、鮮活地呈現。「現在看到這個作品，身體都還可以記憶起當時的場景。」身體與記憶同樣敏銳，在繁瑣的製作流程中，投注的心力更顯得這項工藝的珍貴。 在島人藝術空間的展售的飾品，是樹皮布結合其他媒材做出來的耳墜，美術背景出生的林戎依運用所學，為樹皮注入各種清亮的色彩，製作成了旅客可以隨身佩帶的一方小小樹皮創作。 在2018年Pulima藝術節的得獎作品〈在我眼中，你是如此的美麗〉，是利用樹皮布拼湊出一個人的輪廓，「我想透過我的作品，讓每個觀看的人知道，每個人都有他獨特的美麗。」不論是心靈或是身體受過創傷，內心自卑、自我懷疑，都沒有關係，每個人都跟樹皮一樣，有著自己獨特的深淺、外貌，那樣獨一無二的美麗，也值得被欣賞和重視。 不斷追求著自身的價值，林戎依面對種種困境卻從沒想過要放棄，經歷過比賽、國際的交流，馬不停蹄的她停下了腳步，選擇回頭擁抱自己、擁抱初心。「材質最美的樣子，就是它本來的樣子。」那是她走出台灣後，在一個泰國的小村子裡意識到的。在那一個古樸的村落，林戎依像是看到了從前的部落，純粹且美好的工藝理所當然地伴隨著日常，那便是她所追求，看見材質最天然的部分，回到生活，與樹一起呼吸，把自己在自然中展開，歷經錘鍊，變得足夠柔軟，成為一塊獨一無二的樹皮布。 - - Have you ever imagined a piece of bark undergoing thousands of pounds of pounding, stretching its fibers, and turning rough bark into something soft? That's the traditional craft of tree bark cloth belonging to the Austronesian-speaking peoples.   "Dutsuayb" is Lin Rong-Yi's brand of tree bark cloth craftsmanship. Unlike conventional weaving concepts, tree bark cloth production involves repeatedly pounding the fibers of a single piece of bark until they loosen and extend, ultimately transforming it into a resilient fabric.   In the

作品參考連結（Product references link）：https://islander.waca.ec/product/detail/1838597   香蕉絲是噶瑪蘭族特有的傳統工藝，從採摘下香蕉樹葉鞘後的刮絲、晾曬、分線、接線、捲線，再到織作、染色、加工，其工序之複雜、織做之細膩，皆令人無法想像這是早在工業紡織機出現的幾百年前，就已經存在的技藝。然而，噶瑪蘭族（族，刪除族字）在歷史的洪流中曾一度被沖散掩埋，作為民族技藝的香蕉絲工藝也在這樣的背景中幾近失傳。 2002年，噶瑪蘭族正名成功，為了將古人的智慧流傳，花蓮縣噶瑪蘭族發展協會於2005年在新社部落成立新社香蕉絲工坊，以國寶級藝師潘烏吉、嚴玉英女士為首，集結織女重新學習香蕉絲技藝，並積極進行相關調研，期待有天能將逝去的記憶重建。 新社香蕉絲工坊的作品類型豐富，吊墜、織帶、背包、帽子，看似小巧的作品中，是失而復得的堅韌與珍視，於經緯錯綜間勾勒過去的未來，調和當代與傳統，作品優雅卻不失原民特色。 - - Banana fiber is a traditional craft unique to the Kavalan people. The intricate process of harvesting banana leaves, scraping, drying, separating, splicing, winding, weaving, dyeing, and finishing reflects a craftsmanship that dates back centuries before the advent of industrial textile machines. Despite its complexity and delicacy, the Kavalan tribe and their cultural heritage faced dispersion and near extinction in history's currents.   In 2002, the Kavalan people successfully reclaimed their rightful name. To preserve the wisdom of their ancestors, the

作品參考連結（Product references link）： https://islander.waca.ec/product/detail/1857143 初音石雕創作空間是藝術家李紫晴的藝術工作室，李紫晴來自花蓮縣玉里鎮，是難得的女性石雕藝術家。畢業於國立東華大學藝術與設計學系碩士班，從小生長在花蓮這片玉石之鄉上，使她對石材有著濃厚的興趣。高中在大環境的阻礙下擦肩玉里高中石工科，無奈下投入會計行業，卻在27歲因緣際會回到石雕工藝的路上，靠熱愛突破體力上的限制，從此與石雕常伴為伍。 李紫晴偏好以白色石頭進行創作，相較於現代感的黑，白的溫潤、柔和更貼近藝術家自身的創作初衷。李紫晴的作品有著長年創作的思考沉澱，擅長以簡約的幾何造型及流體線條轉譯語彙，給人輕巧生動視覺體驗。 - - 初音石雕創作空間 is the artistic workshop of Li Ziqing, a rare female stone sculptor from Yuli Township, Hualien County. She graduated from the Master's program in Art and Design at National Dong Hwa University and has a deep-rooted interest in stone due to her upbringing in Hualien, renowned for its jade and stones. Despite obstacles in her environment during high school that prevented her from pursuing a stone carving track at Yuli Senior High School, she reluctantly entered the

作品參考連結（Product references link）： https://islander.waca.ec/product/detail/1857128   武玉玲（Aluaiy Kaumakan），來自屏東排灣族大社部落（Paridrayan），是台灣近年極重要的藝術家之一。2018年Pulima藝術獎首獎，2020年代表台灣參加日本橫濱國際三年展並由法國策展人Bruno Latour選入2020年台灣非常重要的展覽—台北雙年展之中，隔年2021年策展人將作品延續於法國龐畢度中心梅茲分館繼續展出。2021年參加第10屆亞太三年展，2022年受邀第23屆澳洲雪梨雙年展，2023年受邀赴英國海沃德美術館（Hayward Gallery）展出。 武玉玲早年受珠寶設計訓練，融入自身文化排灣族傳統工藝技法，創作出驚艷國際的大型軟雕塑作品。然而在精湛的技法之下，她的創作還關乎著特殊的生命歷程。2009年八八風災重創故鄉，使離鄉的武玉玲回歸部落，做回「 mamazangilan(族群領袖)之女」，投身於部落的重置工作，更運用邀請族人一同創作的藝術形式，期望重新凝聚流離的情感與關係。 武玉玲的作品融合自身感悟與深刻的族群生命經驗及文化底蘊，回應著近代排灣大社部落的災變史與不同世代排灣女性的生命記憶，以布匹、線材交錯垂墜，柔軟而又強烈、多姿。 - - 武玉玲 (Aluaiy Kaumakan), hailing from the Paiwan tribe's Tjaronad (Paridrayan) community in Pingtung, Taiwan, is one of the country's most significant artists in recent years. She received the top prize at the Pulima Art Awards in 2018 and represented Taiwan at the Yokohama International Triennale in Japan in 2020, curated by Bruno Latour. Her work was also featured prominently in the 2020 Taipei Biennial, a critical exhibition in Taiwan, and the following year her

作品參考連結（Product references link）： https://islander.waca.ec/product/detail/1657562 雖然出生在台北，定居石梯坪之前的侯小圓，其實已經秉持著某種「流浪性格」，在台灣南方、東部的許多地方，都已有過駐足。她彷彿一直在尋找一種更適合彼時的她的生活方式、一個更能令她心安的所在，轉向生命中一個又一個安棲之地。第一次碰到陶土，是她在台東都蘭的時候。2012年，她開始在都蘭生活，起初，因為喜愛品茶，她以茶藝和大家交朋友；隔年，因為漸漸認識了一些在地的陶藝家，帶著直覺，也想投入捏土做陶的世界。或許對陶藝家來說，親身的實做才是最重要的吧？她的陶藝師朋友不願意教授她，卻給了她一份土，讓她自己去捏。她像初學的孩子，自己摸索、自己上網找方法，就這樣開始了她的陶藝之路。 捏陶、製陶、燒陶…是專業技藝，侯小圓一頭栽進陶藝的世界，因對傳統柴燒方式情有獨鍾，為了完成自己的柴燒作品，頭幾年的她，甚至會把陶土載到初鹿，找有柴燒窯的地方寄燒。漸漸的，侯小圓開始累積了自己的創作，也開始透過藝術，和更多生活在東海岸的創作者產生連結，例如與住在花蓮豐濱的馬浪．烏瓦日相遇，著手建構「當漂流木遇見陶」工作室。就像工作室名稱一樣，這是一場漂流木與陶土的相遇，侯小圓也從這個時候，開始思考如何將自己的作品與不同觸感、不同視覺意象的媒材擺在一起，她改變風格，從過去做比較小型的物件，轉向一些更大的造型嘗試。 2015年，為了更順利的合作，侯小圓也決定離開都蘭，搬到花蓮豐濱去生活。豐濱和都蘭一樣，都是面朝遼遠大海、居住著近海的民族，侯小圓落腳於此，兩年後，雖和馬浪結束合作，這裡減法的生活、樸實的磚屋，也已讓她的心與手都安定下來。2017年，她在石梯坪成立「石梯窯」，也擁有了自己的柴燒窯；這幾年，她偶爾開課，與來自不同地方的朋友交流、分享陶藝生活，更多的，是潛心在捏土、柴燒的生活裡。柴燒是一種高度倚賴「經驗」的技術，從木頭濕度、火流、作品的擺放…等，在在都考驗者陶藝家的能耐。侯小圓以緩慢、閒散的速度，一年燒一窯，卻生活得越來越踏實。 侯小圓的許多作品除了形式自在、不受制式樣態拘束的花器、器皿，她也開始漸漸思考如何將作品呈現在更多不同的介面上。這幾年的捏陶經驗，讓她知道，土，也可以很柔美，她並且覺得，不想離開了。 - - Although born in Taipei, before settling in Shitiping, Hou Hsiao-yuan had already embraced a somewhat nomadic lifestyle, residing in various places in southern and eastern Taiwan, perpetually seeking a more suitable way of life and a place that could bring her peace of mind. Her first encounter with clay was during her time in Taitung's Dulan. In 2012, she began living in Dulan, initially drawn by her love for tea and the opportunity to make friends through tea

  作品參考連結（Product references link）： https://islander.waca.ec/product/detail/1657485   翁程軒生於苗栗頭份，2014年來到花蓮，開始接觸陶藝的創作與研究。對他而言，「陶」是本能性的選擇，在眾多創作的媒材中，他第一次接觸到陶土，就感受到自己的雙手似乎很能找到某種動態的韻律。在翁程軒的創作過程中，他反覆進行對於「造型」的探問與追求；他思考器皿造型的可能性，對於慣常的工整美學、幾何造型，提出不同的意見與實驗，將個人對於生活的美感實踐在生活陶的製作上。 不管是在生活陶藝的製作，或是個人的藝術創作上，花蓮的生活深深影響著翁程軒的創作。對他而言，花蓮是一個特別的地方，山海遼闊，並且很容易接近大自然，走入某種異於都市環境的節奏與空氣中。2016年，因為工作關係，他也開始接觸居住在山裡的族群，他花更多時間與山林相處，對於不同民族生命觀的學習、對大自然環境的重新理解，都成為他創作的養分。這幾年，他持續鑽研各種陶藝技術，實驗各種土質應用在不同配方下的影響，以及「還原燒」（燒陶時，讓陶土呈現出含鐵成分的自然變化）、陶瓷修復等專業的技術研究。近年，他開始關注日本、韓國…等不同陶瓷產區的風格研究（例如有田、備前、信樂、美濃、益子…等產地，以及高麗青瓷），並嘗試將造型技法、釉色表現融入到個人在飲食器皿、咖啡與茶道器具的創作。也關注紫砂壺、茶碗、台灣茶道的設計應用。 （鹿角壺）是翁程軒2019年到2021年之間的器皿創作，嘗試不同的土質（陶土、瓷土）應用不同配方的青瓷和鐵紅釉色之間的搭配，在「還原燒」下的自然變化。這一系列作品受到他2019年個展的影響，在個展中，他思考著人、土地，與大地之靈的關係，透過創作，深沉的回應了這幾年在山林裡生活的身體經驗與體悟到的精神世界。他希望將這樣的靈感與能量延續到生活陶的製作上，於是巧妙的將對大自然萬物的觀察，融合到生活陶的創作裡。事實上，對翁程軒而言，生活陶的創作是一種很「本能」的創作，它忠實反映著我們的直覺以及內心，就像人類在自然裡生活的方式，它並不是千迴百轉的思緒，而是在人的意識中，共感出某種有機的、自然的美學與質地。 - - Weng Cheng-hsuan was born in Toufen, Miaoli, and moved to Hualien in 2014, where he began exploring ceramic art creation and research. For him, pottery was an instinctive choice. Upon first touching clay among many artistic mediums, he felt his hands could naturally find a dynamic rhythm. Throughout Weng Cheng-hsuan's creative process, he continuously explored and pursued the "form" of ceramics. He questioned the possibilities of vessel shapes, challenging conventional aesthetics and geometric forms through experimentation, integrating his

作品參考連結（Product references link）： https://islander.waca.ec/product/detail/1849568 林盛火出生在花蓮鳳林鎮，一個在上世紀末被他稱為「沒落」的小村莊。然而在「沒落」以前，這裡曾經是1950-60年代時、因「台灣玉」的被發現而盛極一時的玉石寶地。因此，成長在那個年代，他從小就看村子裡的長輩處理玉石——這些長輩，甚至不從外地引進做玉技術，而是倚靠群體的討論，自己開創出許多技術系統，包括非常困難的「貓眼」技術。雖然當時的林盛火什麼也不懂，但也跟著把玩、蒐集，彷彿是一個在玉礦裡長大的孩子。 時序推移，台灣玉火紅了十年，卻在台灣整體經濟結構的劇變下瞬間沒落；採玉礦的成本越來越高，村莊裡的人，漸漸不再靠玉石維生。彼時的林盛火業已退伍、離鄉，去到台北，開始跟著金工師傅許添發學習珠寶工藝。這工藝讓他一學就是八年，累積了精湛的技術，才又輾轉回到花蓮。 小村莊的前世記憶卻好像被牽動了起來。隨著玉礦產業的沒落，其實做玉的人早已越來越少，林盛火回鄉後，卻遇到了少數還保留著做玉技術、與他同村的師傅姚順興。對玉礦的直覺與記憶好像一下子回來了，他開始向姚順興學習做玉，那些幾乎已被遺忘的技術，包括做「貓眼」的「蛋面」技術，在沒有太多人願意承接與學習的背景下，成了某種「末代技師」。然而，雖然玉礦技術與記憶已在村民們的生活中漸漸稀薄，村子裡的玉石蹤跡卻沒有消失過；近半世紀前被村民蓋起的玉石工廠，雖已全數荒廢，但是當林盛火走回村莊裡，卻發現，其實土地上，還有很多很好的石頭，只是已經很久都沒有人再撿起它們了。2008年，他開始在部落裡上研磨班、在大漢技術學院珠寶技術系當兼任老師，也結合過去學習的珠寶工藝與小村莊的土地記憶，回到林榮里開啟玉石工作室。 近年，隨著卑南遺址中1500多件玉石的被發現，鳳林鎮和林盛火彷彿迎來了台灣玉的今生。這些3000年前的玉石來源，原來就是近半世紀以前、村裡的人上山採玉礦的地方（平林遺址／支亞干遺址）；早在3000年前，這裡與玉礦就已有極深的淵源，它是一個發散點。如今，這裡做玉的人雖然越來越少，卻成了國家博物館相關研究的重要場址，林盛火也開始將玉石的技術與知識分享給這些研究機構，牽繫著台灣玉與家鄉悠遠的歷史時空。 這樣的經驗，也影響著林盛火的玉石作品。相較於其他地域製玉與審美的傳統、大多著重於細雕，當他拾起家鄉土地上的玉石時，卻有完全不同的想法。透過珠寶工藝，林盛火有時會在作品中加入一些轉化自台灣玉石脈絡的符號與寓意，然而對他而言，更重要的，依然還是將玉石原初的自然與美，保留並表現出來。 - - Lin Sheng-huo was born in Hualien's Fenglin Township, a small village he referred to as "declining" by the end of the last century. However, prior to this decline, it was once a renowned jadeite treasure trove during the 1950s and 1960s when Taiwan jade was discovered. Growing up in that era, he observed elders in the village handling jadeite from a young age—these elders relied not on imported techniques but on communal discussions to pioneer various technical systems,

  作品參考連結（Product references link）：https://islander.waca.ec/product/detail/1849634 王昱心自小成長在台東，與卑南族的父親一家居住在近寶桑部落（Papulu），在往後的求學階段，到了澳洲史溫本大學國家設計學院攻讀設計博士，並帶著學術所成回到家鄉，在教育、亞太島洲區域的跨文化藝術研究裡也持續鑽研、奉獻至今。 除了是一位教育者、在國立東華大學原住民民族學院擔任教授，王昱心也同時是一位陶藝家。從小就受美術訓練的她，在大學時開始接觸各種不同的媒材，當時，「陶」對她而言是一種全新的創作方式，從那時起，她一頭栽入陶藝的創作與研究，至今已有三十年之久。研究所畢業後，王昱心花了很長一段時間，投入台灣不同地區原鄉文化發展的協力與陪伴工作，她也在這些田野現場累積了許多對於理論的實踐與反思，包括文化和產品之間的關係、文化創意與產業之間的關係。王昱心自身的藝術創作也與這些田野經驗有很深的關聯，在她往後的許多作品裡，在在可以見到原住民的生活、美學、思想與智慧，深深牽動著她的創作關懷，甚而成為她透過藝術所欲以創造的世界觀。 「陶」之於台灣原住民而言，本就是一種極重要的物質技術與文化。在遠古時代，原住民的生活即大量依賴於陶器的製作，它不只是必要的生活用品，在部分族群中，陶製品甚至被賦予特殊的社會象徵意義，難以被取代。作為一位陶藝創作者，王昱心承接了「陶」在原住民歷史中的遠古內涵，並透過當代性的創作手法，體現出古老而新生的陶作藝術。在近年的創作與研究中，她甚而開始著重於不同地域原住民土地之黏土礦的勘查，並在創作中呈現出某種對於土地和自然秩序的尊重。 〈星芒盒〉是王昱心的代表作品之一，亦是她反思傳統圖紋與當代應用的示例。這一系列作品以瓷漿為材料，灌模製作，將「八角花」立體化為外型，它的靈感來自於卑南族與其他許多族群的服飾上都可見到的繡紋。王昱心的許多作品都傳達出一種平衡性，若將〈星芒盒〉放入她的創作脈絡中，彷彿可以看到她一再透過某種沉謐的、秩序性的律動，表現出對於大自然、對原住民原初宇宙觀的啟發與回應。承接著族群的遠古記憶與扎實的研究經驗、再透過當代身體的思維與實踐，王昱心的陶藝觀點，造就出在近年陶藝創作與原住民藝術場域中，非常有辨識度的藝術樣貌。   Wang Yuhsin grew up in Taitung, Taiwan, living with her father's family from the Puyuma tribe near the Papulu community. During her academic journey, she pursued a doctoral degree in design at the National Institute for Experimental Arts at the University of New South Wales in Australia. Returning with her academic achievements, she has dedicated herself to education and continued her research in cross-cultural arts within the Asia-Pacific region. Apart from being an educator and serving as a professor